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A dor da Rejeição

 

Se uma pessoa o rejeita, não significa que você é ruim ou que tem menos valor que outros. Significa apenas que a outra pessoa não está sintonizada com o seu desejo, naquele momento.

Não há motivo para vergonha, depressão, ou sentimento de menos valia. Ao contrário, se alguém é rejeitado significa que possui a capacidade de se envolver afetivamente.

Isso deve ser um alento quando suas esperanças esbarram no “não” do outro. Mais triste do que a dor de uma rejeição é o sofrimento de quem congela o desejo por medo de se decepcionar.
A rejeição faz parte das experiências que se tem na vida.

É saudável sentir-se decepcionado ao ser excluído ou barrado no afeto de alguém que você desejaria ter ao lado. Esse sentimento doloroso faz parte do processo de processamento interno do que aconteceu.

No primeiro momento, a tendência pode ser de carregar as tintas e ver tudo escuro.

Ninguém gosta de ser rejeitado. Porém, a pessoa com autoestima satisfatória não fica estacionada aí e logo se move adiante.

O mundo não se reduz a alguém, ou a um grupo de pessoas. Sua vida será tanto mais ampla quanto for seu olhar sobre o horizonte.

Se o indivíduo não se deixar aprisionar pela rejeição, encontrará oportunidades para viver novas experiências que lhe trarão momentos mais felizes do que poderia imaginar.

O universo costuma apresentar seus presentes mais valiosos para aqueles que seguem em frente e não se detém diante de aparentes fracassos.

A chave é deixar o medo de lado e acreditar no seu valor e na sua capacidade de atrair para sua vida o que o (a) fará feliz.

Assim, como a terra e as flores se renovam em beleza e perfumes depois da tempestade, sua vida se encherá de amor e alegrias se aprender a superar uma rejeição, por mais difícil que possa parecer.

 

Relacionamento – Dez dicas para superar a rejeição


@ Não tome a rejeição como se houvesse algo errado com você. As pessoas fazem escolhas por razões que são delas. Você não precisa ser aceito (a) nem aprovado por todos.

@ A rejeição não significa que você não merece ser amado (a). Não é realista esperar que todos seus desejos e expectativas se realizem. Se alguém não quer você em sua vida, agradeça.

@ A pior coisa é ficar em banho-maria, nem lá, nem cá, vivendo na dúvida. Uma vez que alguém é rejeitado em alguma situação, ganha de presente a liberdade para seguir em frente!

@ Em vez de olhar para a porta que se fechou, mire o horizonte e as infinitas possibilidades que se abrem para você. 

@ Quando uma pessoa se sente devastado por uma experiência de rejeição,não é pelo outro que sofre. A depressão e o pensamento obsessivo em torno do fato é decorrente de problemas emocionais da própria pessoa. Nesse caso, o melhor é tomar uma providência e buscar ajuda psicoterapêutica.

@  Aproveite o momento para iniciar um projeto de vida que você vem adiando. Ao voltar sua atenção e energia em um projeto que trará satisfação pessoal, você conseguirá superar o sentimento de rejeição mais facilmente.

@ Aproveite todas as oportunidades para crescer com as experiências vividas. Pergunte-se o que pode aprender sobre você mesmo (a) com a situação.

@ Use o momento para dar um up grade total. Interno e externo. Cuidar de si mesmo (a) faz bem à autoestima e aumenta a autoconfiança. Comece a meditar, mude o cabelo, renove algumas peças do guarda-roupa, leia sobre autoconhecimento, entre para uma academia, inicie a dieta que vem adiando há tempos, comece uma terapia, faça shiatsu,  mude o estilo de se vestir, entre para uma aula de dança de salão, etc…

@ Entre em contato com antigos colegas e amigos de infância que você não vê há tempos. Aproveite para renovar os laços de amizade e se divertir.

@ Resista aos impulsos de ficar contando para todo mundo o que aconteceu. A necessidade de ouvir opiniões e desabafar a torto e a direito mostra um transbordamento interno. Ninguém poderá curar a sua dor, a não ser você mesmo(a).

Acredite na sua capacidade de se renovar e de superar eventos que causam sofrimento. Aprenda e cresça com suas experiências. Esse é o caminho para a maturidade emocional, condição indispensável para uma vida feliz.

 

Texto de Jael Coaracy

 

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Sobre a Perversidade by Marla de Queiroz

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O perigo da perversidade é que ela é muito sútil. Um ser perverso jamais te atacará diretamente. Ele vai saborear cada silêncio calculado para despertar sua agonia. Ele vai tentar tolher seus lugares íntimos até que não reste qualquer espaço para manobras. Ele vai te seduzir da maneira mais irresistível e depois te tratar com um descaso inexplicável, como se algo de errado tivesse acontecido, mas sem te dar quaisquer indícios do que possa ter acontecido.

Ele será carismático com os outros, prestativo, mas demonstrará impaciência em responder à sua mais simples pergunta. Ele vai oscilar entre o tesão e a indiferença. Você se sentirá desejada quando o sufoco tiver tomado toda a sua alma e, totalmente desamparada quando o desejo demonstrado parecer esvaído nos primeiros suspiros da manhã. E o dia seguinte se tornará um longo e agonizante ano.

Ele parecerá espirituoso, depois irônico, mas estará sendo absurdamente crítico e sarcástico. E te deixará tão confusa que você, por momentos, não saberá identificar a crueldade que há neste tipo de comportamento. Os perversos são viciados em jogos de poder e controle. Não sabem o porquê. Simplesmente precisam tentar te destituir da sua autoconfiança e autoestima até que você se torne refém, dependente, à beira do desespero.

É muito difícil identificar um ser perverso e, depois se livrar dele. Ele te tratará com uma bipolaridade emocional absoluta. E quando tudo parecer perdido, quando você tiver decidido de maneira explícita sua escolha por um afastamento ou desligamento da relação, ele te rondará da maneira mais amorosa possível tentando te convencer que a falta de sintonia anterior era um problema seu. O perigo da perversidade é porque ela é muito sutil.

E o único antídoto para se curar de uma relação doentia como esta é reunir toda a coragem que você jamais imaginou ter e partir com toda a convicção de que você não precisa continuar neste campo minado. Você pode escolher um lugar de paz. Você pode não ser presa de um predador voraz. Você não precisa se vestir de sangue para alimentar estes vampiros. Esteja atenta. O perverso sempre parecerá um ser inofensivo e carismático. Com os outros. Apenas com os outros. E isto te deixará com uma imensa vontade de conquistar aquilo que ele fará questão de demonstrar que não está disponível para você. 

DADAÍSMO – O CABARET VOLTAIRE E O SEU TEMPO.

 

Tristan Tzara, Paul Éluard, André Breton, Hans Arp, Salvador Dalí,
Yves Tanguy, Max Ernst, René Crevel & Man Ray, 1933

“Dada não significa nada… A obra de arte não deve ser a beleza em si mesma, porque a beleza está morta… não sou nem a favor nem contra, e não vou explicar porque razão odeio o bom-senso…”
” (Tristan Tzara).
Em 1914, quando começou a Primeira Guerra Mundial, o alemão Hugo Ball (1886-1927) mudou-se para a Suíça, que permaneceria como um país neutro, junto com sua companheira, também alemã, Emmy Hennings ( 1885-1948). Em Zurique, uma urbe cosmopolita, fundaram o Cabaret Voltaire, na Spielgasse, nº 1 (onde existe ainda hoje) . O nome do recinto evocava o filósofo francês François Voltaire (1694-1778) ele próprio, em sua época, considerado um intelectual iconoclasta e revolucionário. Os espetáculos no clube se caracterizavam pelo seu non sense e rebeldia, e o ambiente, pelo barulho incessante.

 


Cabaret Voltaire, Zurique, 1916

 

O nome Dada, escolhido para o movimento, não tinha o menor significado ou importância para seus próprios integrantes. A última coisa que desejavam é que tivesse conotação como alguma acepção de racionalidade. Teria sido encontrado numa escolha aleatória, abrindo ao acaso um dicionário francês, onde encontraram a palavra, que designava um “cavalo de brinquedo”. Ao mesmo tempo, dada se assemelhava a um balbuciar de nenê, portanto algo sem sentido próprio.


Revista Dada, 1917-18

Hugo nasceu em Pirmasens, pequena cidade alemã da Renânia e, ainda jovem, já era diretor de teatro em Munique, no Munich Chamber Theater, além de colaborador numa revista intitulada Revolution. Recusou cumprir seu serviço militar no exército alemão e tornou-se desertor. Era um personagem inovador e contestatário, tendo “inventado” poemas constituídos apenas por sons, simples fonemas, flatus vocis, que não representavam palavras coerentes, nem conceitos, mas apenas efeitos acústicos, como Gadji Beri Bimba.

Abaixo, os primeiros versos do poema “sonoro” Gadji beri bimba , de Hugo Ball. Não esquecer que em Zurique o idioma é o alemão – se é que isso importava aos dadaístas.

“gadji beri bimba glandridi laula lonni cadori
gadjama gramma berida bimbala glandri galassassa laulitalomini
gadji beri bin blassa glassala laula lonni cadorsu sassala bim
gadjama tuffm i zimzalla binban gligla wowolimai bin beri ban”

Hugo era um show man, e de fato seriam necessárias algumas décadas para que os ambientes artísticos, a partir de 1960, aceitassem este tipo de performance como forma de arte. Não por acaso, quando publicou excertos de seu diário do período dadaísta, Hugo os intitulou Flucht aus der Zeit (Fuga do Tempo). O Cabaret Voltaire liderou o movimento dadaísta suíço até 1917, e ali confraternizaram artistas como Hans Arp franco-alemão, 1886-1966); Marcel Janco (húngaro, 1895-1984); e Tristan Tzara (romeno, 1896-1963).

Emmy também era oriunda de uma pequena cidade alemã, e iniciava uma carreira de escritora quando conheceu o futuro marido em 1913, no Cabaret Simplizissimus, de Munique, onde se apresentava como artista profissional de cabaret, partindo depois junto com ele para Berlim e, mais tarde, para Zurique.  


Hugo Ball em performance, representando o mágico Bischof em roupas cubistas,
Zurique, 1916, foto do arquivo Nachlass Hugo Ball und Emmy
Hennings Schweizerisches Literaturarchiv, de Berna

 


Tristan Tzara

 


Raoul Hausmann, Cabeça Mecâmica – O Espírito do nosso Tempo
(Der Geist unserer Zeit), Berlim 1919.

 


Johnson contra Cravan, poster anunciando de luta de box,Barcelona, 1916.

 

Tristan Tzara (1896-1963), na verdade Samy Rosenstock, um romeno de origem judaica, um dos fundadores do Cabaret Voltaire, era poeta e ensaísta. Seu pseudônimo significava, em tradução livre, “Terra Triste”. Em 1917, quando Hugo Ball saiu de Zurique, ele assumiu o comando dos dadaístas. Como muitos intelectuais da época, engajou-se no comunismo e na resistência ao nazismo, enquanto produzia ensaios e poemas.

Marcel Janco (húngaro, 1895-1984), também de origem judaica, era poeta e pintor, tendo inclusive ilustrado poemas de Tzara. Fugindo à perseguição nazista, em 1941 foi para Israel (morreu em Tel Aviv), onde continuou sua carreira literária, realizando poemas fonéticos, à maneira de Ball.

Hans Peter Wilhelm Arp (1866-1966) entre os dadaístas foi aquele que deixou obra artística visual mais expressiva. Praticou a pintura, escultura, colagens e relevos. Nascido em Estrasburgo, na Alsácia, quando a região fazia parte da Alemanha, era filho de pai alemão e mãe francesa. Em 1915, desertando do exército alemão, foi viver em Zurique (em 1926 acabaria por optar nacionalidade da mãe). Sua personalidade criativa o levou a participar, além do dadaísmo, em movimentos como o grupo Cobra e o surrealismo, tendo adquirido, como artista, notoriedade internacional e sucesso comercial.

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Em Berlim, antes de se refugiar na Suíça, o casal Hugo-Emmy frequentava o Café des Westens, que fervilhava de ideias e espírito revolucionário. Naquele ano (1914) os “vermelhos” Rosa Luxemburgo (1871-1919) e seu companheiro Karl Liebknecht (1871-1919) fundaram na Alemanha a Liga Espártaco (alusão ao líder escravo que chefiou revoltas contra o Império Romano) e, em 1918, o jornal Die Rote Fahne (A Bandeira Vermelha). Os dois morreram assassinados pelos nazistas, junto com centenas de seus seguidores, sem jamais terem sido julgados. Este ambiente social explosivo, explica o exacerbamento político dos dadaístas. Zurique encontrava-se no epicentro de um conflito bélico global de proporções até então nunca vistas, nem imaginadas.

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Por outro lado, aproximava-se a Revolução Russa de 1917, enquanto o czarismo derrocava, afundando em seus erros e crimes. Na época, o mais importante líder comunista russo, Lenin, seguia um périplo no seu exílio, chegando à Suíça em 1914, primeiro a Berna e depois mudando-se para Zurique. E foi nesta cidade que Lenin, dois anos depois, escreveu Imperialismo, Fase Superior do Capitalismo, um dos textos que serviram de base à orientação dos marxistas de todo o mundo. Zurique, na Suíça, era um refúgio para os revolucionários, assim como Munique, na Alemanha, se tornaria, na década de 1920, o olho do furacão nazista. Em 1917 diversos movimentos pacifistas explodiram na Alemanha.

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Mais tarde, Hans Arp, um dos artistas que aderiu ao movimento, escreveu: “… revoltados com a carnificina da Primeira Guerra, permanecemos em Zurique, nos dedicando (somente) às artes. Enquanto as armas rugiam ao longe, nós cantamos, pintamos, fizemos colagens, escrevemos poemas com todas as nossas energias.”

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Um dos escritores que reproduziu esse cenário de chumbo foi Franz Kafka (1883-1924), judeu nascido em Praga, mas que escrevia em alemão. Em 1915 publicou Metamorfose uma novela densa e enigmática sobre um homem comum, que um dia acorda transformado em um inseto nojento.
Se revivermos o momento histórico em que aconteceu o dadaísmo, suas propostas não parecem pueris. As guerras e seu cortejo de infâmias, num continente dilacerado sistematicamente por conflitos intermináveis, não apareciam aos olhos dos artistas como algo sensato, mas completamente ilógico, uma ignomínia sem explicação. Os dadaístas esperavam que a sociedade ousasse se mirar num espelho, para sentir todo o absurdo da situação. Ou seja: o dadaísmo, quando comparado à brutal realidade, parecia um divertimento inocente.

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Em 1915, três artistas declaradamente dadaístas rumaram para Nova York, onde pretendiam estabelecer-se profissionalmente: Man Ray (na verdade Emanuel Rudzistsky, norte-americano, fotógrafo e pintor, 1890-1976); Francis Picabia (francês, pintor e poeta, 1879-1953); e Marcel Duchamp (francês, artista e teórico, 1887-1968). Fundaram a revista 291, porém, não obtendo notoriedade, acabaram voltando para a Europa.


Marcel Duchamp, Fonte, foto de Alfred Stieglitz em Nova York, 1917.

 

 


Man Ray, Solarização, foto, 1929

 

 

 


Man Ray, Mulher desenhando, 1912

 

 


Francis Picabia, Lu-Li, 1947

 

Na Alemanha, antes mesmo da Primeira Guerra terminar, em 1918, o dadaísmo  chegou a Colônia, Hanover e Berlim, contando-se entre eles o mencionado Hans Arp, Marx Ernst (alemão, pintor, escultor, um dos artistas mais influentes da primeira metade do século 20, 1891-1976), mais Kurt Schwitters (alemão, pintor, escultor e poeta, (1887-1948).

 


Hans Arp, Bigodes, circa 1925, Tate Gallery, Londres

 

 


Merzbau, Kurt Schwitters, Hannover 1923

 

 


Max Ernst, Uma maneira de ser (também) pode ser arte, 1919

 

A partir de 1919, o dadaísmo se fixou definitivamente em Paris, tendo como corifeus o citado Tristan Tzara, além de Francis Picabia, Man Ray e André Breton (francês, escritor, poeta, teórico do surrealismo, 1896-1966).

O Brasil, como os Estados Unidos, não experimentava as convulsões sociais da Europa. As condições objetivas para o surgimento e a expansão do dadaísmo eram quase inexistentes. Mesmo assim, alguma repercussão teve o movimento no país.

No Brasil, uma performance que lembra o espírito dadaísta foi realizada, em outubro de 1956, pelo artista Flávio de Carvalho (1899-1973) que passeou pelo centro de São Paulo vestindo o seu New Look, na verdade um traje supostamente adequado ao calor, que incluía uma blusa com mangas curtas, saiote, chapéu e sandálias. O poeta Manuel Bandeira e o pintor Ismael Nery, em alguns momentos, igualmente foram influenciados pelo dadaísmo. Mário de Andrade, autor de Paulicéia Desvairada, ali incluiu um poema que exprime a aversão à sociedade estabelecida: “… Eu insulto o burgês! O burguês-níquel, / o burguês-burguês! A digestão bem feita de São Paulo! …”

 


Flávio de Carvalho e seu New Look, 1956

Apesar do dadaísmo não ter, praticamente, sobrevivido à Primeira Guerra, algumas de suas teses contaminaram o expressionismo (inclusive o expressionismo Abstrato), o surrealismo, a arte conceitual e a Pop Arte.

CARACTERÍSTICAS DO MOVIMENTO

Será possível determinar algumas “características”, ou chamar o dadaísmo de “movimento” , quando seus seguidores  exorcizavam quaisquer atributos para classificar suas próprias ações? Porque sua única regra era: não observar regras.

Em suas apresentações, os dadaístas tratavam, em primeiro lugar, de provocar reações negativas ou de repulsa, entre os circunstantes. Nas suas obras havia traços que provinham de outros movimentos artísticos, como o expressionismo, o cubismo e o futurismo, mas esta herança não devia interferir com as violentas mensagens dadaístas. Mais tarde, alguns artistas dada aderiram ao surrealismo, que lhes pareceu bem mais consistente sob o ponto de vista estético. No Cabaret Voltaire, as manifestações não eram adocicadas como caprichos intelectuais, antes reações barulhentas  e raivosas. Ao ponto de os próprios seguidores aceitarem que uma hipótese viável para o futuro do movimento seria a sua autodestruição.

Pode também notar-se no dadaísmo a influência do niilismo do filósofo alemão Friedrich Wilhelm Nietzsche (1884-1900). Este defendia que o ser humano, tendo chegado à conclusão que o cristianismo era um conjunto de falsidades, passaria a manter uma desconfiança total em relação a todos os valores, concluindo que nada que o cerca tem sentido, nem na sua vida pessoal, nem sob os pontos de vista religioso ou metafísico (décadas mais tarde, o movimento filosófico existencialismo voltaria a estas teses, com pessimismo semelhante).

Também não havia limites ou preferências por qualquer forma de arte, fosse pintura, tecelagem, arte em vidro, música, poesia “sonora”, fotomontagens, teatro, ou objetos prontos (ready made).

O artista francês Marcel Duchamp (1887-1968) trouxe para o dadaísmo o objet trouvé, ou tout fait (do francês: objeto encontrado por acaso – rótulos de garrafas, tíquetes de metro ou de ônibus, produtos industriais sem serem modificados, embalagens de bebidas, coisas achadas em latas de lixo)  o qual poderia se incorporar à obra de arte, mesmo sem qualquer interferência do artista no seu aspecto visual. Em inglês este objeto se designa como produto ready-made.

 


Marcel Duchamp jogando xadrez, um de seus passatempos favoritos

 


Marcel Duchamp, readymade, porta-garrafas

 


Marcel. Duchamp, ready made, Roda de bicicleta

 


Marcel Duchamp, Gioconda. Em 1919, o artista colocou um bigode
sobre uma reprodução barata do célebre quadro de Da Vinci, com a inscrição LHOOQ.
Soletrando em francês, estas letras se pronunciam como “elle a chaud au cul”
(que, em tradução livre, quer dizer: ela tem fogo no rabo).
Esta apropriação vulgar da obra de um clássico permaneceu
como um símbolo da iconoclastia dos dadaístas.

 

***

Escreveu Tristan Tzara “… Eu redijo um manifesto e não quero nada… sou, por princípio, contra manifestos … redijo este manifesto para mostrar que é possível fazer as ações opostas simultaneamente, num único sopro… sou contra a ação pela contínua contradição, pela afirmação também, eu não sou nem a favor nem contra e não vou explicar porque razão odeio o bom-senso…”

ARTES VISUAIS NA ÉPOCA DO DADAÍSMO
Como era o ambiente das artes visuais na época do dadaísmo? Que escolas, ou movimentos, aconteciam naquele período? Continuavam as escolas tradicionais, como o romantismo, o classicismo, o academicismo e o impressionismo, todos eles encarados com desdém pelos vanguardistas, que se alinhavam à margem do figurativismo tradicional. Os principais movimentos contestatários eram:

 

EXPRESSIONISMO. Na cidade alemã de Dresden, em 1905, tinha surgido uma facção de artistas que se congregavam em torno de propostas vanguardistas. Seu grupo se chamava Die Brücke (A Ponte). Entre os nomes que ficaram: Erich Heckel (1883-1970), Emil Nolde (1867-1956) e Ernst Kirchner (1880-1938).
Este núcleo inicial deu origem a um movimento mais amplo e o expressionismo se espalhou pela Europa e Américas.  “… Seus integrantes não se conformavam com o fato de, naquele tempo conturbado e violento, os artistas continuarem a pintar à maneira ‘agradável’ das décadas anteriores (classicismo, romantismo, impressionismo, pontilhismo, art nouveau). Procuravam refletir as emoções, a revolta interior e denunciar a violência social. Usavam cores fortes, recusavam a verosimilhança da obra de arte com seu objeto, a luz aprazível das obras de escolas anteriores. A arte seria ação, não contemplação; deveria ser uma projeção da mente do artista para fora, não assimilação plácida do mundo real. Utilizavam pinceladas grossas e vigorosas, exercendo a crítica social com suas figuras deformadas… ” Foram figuras dominantes do expressionismo: o pintor norueguês Edvard Munch (1863-1944); os franceses Georges Rouault (1871-1958), Henri Matisse (1869-1954) e André Derain (1880-1954); e o austríaco Oskar Kokoschka (1886-1980).

 

CUBISMO.  Foi iniciado em Paris, com as contribuições de Georges Braque (1882-1963) e Pablo Picasso (1881-1973) os quais, por sua vez, se inspiravam em Paul Cézanne (1839-1906). Entre os críticos convencionou-se que o marco inicial da escola seria o quadro de Picasso Les demoiselles d’ Avignon (As moças de Avignon) pintado em 1907. Neste período inicial houve igualmente a contribuição de vanguardistas russos, alguns fazendo parte do chamado cubofuturismo. O cubismo sugeria a substituição do espaço tridimensional (e a perspectiva, que dominava a pintura ocidental, sobretudo desde a tradição do renascimento) por formas geométricas unidimensionais e pelo emprego das cores, numa paleta limitada de cinzentos e marrons. O objeto seria passível de ser representado em várias imagens espaciais simultâneas. Por exemplo, o retrato de uma pessoa poderia apresentá-la de frente e de perfil, no mesmo quadro.

 

FUTURISMO. Em Milão, Itália, o poeta italiano Fillipo Tommaso Marinetti (1876-1944) lançou em 1909 seu Manifesto Futurista. Segundo este libelo, a arte deveria libertar-se do passado e assumir o papel que lhe caberia perante o novo mundo industrial. Em vez da contemplação teria que cultuar a velocidade, a violência, as máquinas: “… Declaramos que o esplendor do mundo foi enriquecido com uma nova forma de beleza, a beleza da velocidade. Glorificamos a guerra – a única verdadeira higiene do mundo – o militarismo, o patriotismo … destruiremos museus, bibliotecas e lutaremos contra o moralismo, feminismo e todas as formas de covardia utilitária…”

 

SURREALISMO. Devem-se assinalar algumas raízes comuns com o dadaísmo. Como data aceitável para o início do surrealismo pode indicar-se 1919, quando o artista alemão Max Ernst (1891-1976) participou de uma exposição em Colônia, Alemanha. Seus trabalhos faziam parte da mostra Novas Tendências, da qual participavam dadaístas. Entre as obras havia instalações, tendo esculturas com fios, colagens, objetos encontrados ao acaso e apetrechos científicos. Logo após esta mostra,Breton escreveu a Ernst e desta sua colaboração iriam brotar as primeiras manifestações surrealistas. Em 1920, as colagens exibidas em Colônia provocaram o espanto de intelectuais como Tristan Tzara e o poeta francês Louis Aragon (1897-1982). Em relação aos dadaístas, os surrealistas haviam absorvido mais informações sobre a mente humana, sobretudo pela difusão das teorias psicanalíticas de Freud, o que proporcionou ao movimento surrealista mais densidade e consistência intelectual do que se verificava no dadaísmo.

 


Max Ernst, Édipo Rei, 1922. Influência surrealista

 

BAUHAUS. Em 1920, poucos anos depois do Cabaret Voltaire, em Weimar, cidade alemã  na contramão de todos estes movimentos, anteriormente citados,  com posturas pessimistas, surgiu o Bauhaus, uma espécie de Secretaria de Estado para a Construção, originariamente dirigida por Walter Adolf Gropius (1883-1969). 

O Bauhaus advogava papel mais importante para a arquitetura e o design, perseguindo a máxima economia de materiais, atendendo às finalidades práticas do fazer artístico. Não era uma proposta somente estética, mas social e política, pois o convívio teve um efeito didático, mesclando cérebros criadores com ofícios manuais.

Em 1925, Gropius projetou uma escola em outra cidade germânica, Dassau, na qual continuou a mostrar o respeito e atenção por cada material, sempre cuidando de baratear os custos das construções e do mobiliário. Com este ponto de vista, passaram a desenhar-se e a fabricar-se, em escala industrial, cadeiras, mesas, instalações tubulares, atividades em que se destacaram Mies van der Rohe (1866-1969) e artistas de vanguarda atraídos pelas propostas. Nomes que ficariam para a posteridade, como Paul Klee (1897-1940), Wassily Kandinsky (1866-1944) e Moholy-Nagy (1895-1946), ensinaram na Bauhaus. Le Corbusier (Édouard Jeanneret-Gris, dito 1887-1965) foi um dos talentos que estabeleceu contato importante com os inovadores. Além disso, o Bauhaus teve contribuição inestimável para a segunda fase do Art Déco.

Em 1928, Gropius foi substituído na direção até que, após pressão dos nazistas, finalmente a escola foi fechada, em 1933. A diáspora levou alguns de seus artistas para os EUA, inclusive Gropius.

ARMORY SHOW. Pode ser considerada a primeira grande exposição de arte moderna em qualquer parte do mundo. Foi realizada em Nova York em fevereiro e março de 1913, dela participando importantes artistas europeus, como Paul Gauguin (1848-1903), Pablo Picasso (1881-1973) e Marcel Duchamp (1887-1968). Mostraram-se mais de mil obras de diversas tendências, que iam do impressionismo às (então recentes) experiências abstratizantes. O nome da exposição (Armory, arsenal de armas), organizada pela Associação dos Pintores e Escultores Americanos, advém do fato de ter sido realizada nas dependências de um antigo regimento militar. Teve grande importância para a arte norte-americana, pois a colocou em contato com as vanguardas europeias.

 

Fontes

Em português

Chilvers, Ian, Dicionário Oxford de Arte, tradução de Marcelo Brandão Cipolla. Martins Fontes, São Paulo, 1996.

Dempsey, Amy, Estilos, escolas e movimentos, tradução de Carlos Eugênio Marcondes de Moura, Cosac & Naify, São Paulo, 2003.

Richter, Hans, Dadá: arte e antiarte. Ed. Martins Fontes, São Paulo, 1993.

http://dododadaismo.blogspot.com.br/p/dadaismo-no-brasil.html
http://www.netsaber.com.br/resumos/ver_resumo_c_795.html
http://pt.wikipedia.org/wiki/Dada%C3%ADsmo
http://www.portalsaofrancisco.com.br/alfa/dadaismo/dadaismo-1.php

Em francês

http://www.le-dadaisme.com/

Em inglês

http://www.writing.upenn.edu/~afilreis/88/dada-def.html
http://www.theartstory.org/movement-performance-art.htm

Em espanhol

http://www.arteespana.com/dadaismo.htm

 

Pierre Auguste Renoir

“A dor passa, mas a beleza permanece”, disse Renoir, um dos maiores pintores impressionistas, mestre em fixar em suas telas a luz, o brilho e a beleza das coisas.

Pierre-Auguste Renoir nasceu em família modesta – o pai era alfaiate. Em 1845, a família mudou-se para Paris, mas retornaria para Limoges três anos depois.

Em 1855, Renoir, com o intuito de adquirir um ofício, foi aprender decoração de porcelana e trabalhar no próprio ateliê onde estudava. Três anos depois, começou a pintar estampas em tecidos.

Em 1862, mudou-se para Paris e foi admitido na École des Beaux-Arts. Passou a visitar regularmente o Museu do Louvre e começou a estagiar no ateliê do pintor suíço Charles Gleyre.

Em 1866, inscreveu seu quadro “A Hospedaria da Mãe Anthony” no Salão Oficial das Artes, mas foi rejeitado. Dois anos depois, o salão aceitou a tela “Lise”. Mesmo assim, o impressionismo – o novo estilo que Renoir adotara – ainda não era uma forma de arte aceita pela crítica. Por isso, Renoir e seus companheiros planejaram organizar uma exposição de arte impressionista.

Mas, em 1870, com a invasão prussiana da França, Renoir foi convocado, participando da guerra como soldado.

Em 1874, Renoir e outros artistas (como Manet, Degas e Pissarro) enfim organizaram a exposição dos impressionistas.

Ela se realizou no estúdio do famoso fotógrafo Nadar. Embora rejeitada pelos críticos, a exposição se repetiria em 1876, 1877 e 1879. Em 1882, viajou para a Itália para estudar.

Durante esses anos, Renoir foi ficando famoso. Em 1890, casou com sua modelo Aline Charigot (eles teriam três filhos, Pierre, Jean e Claude). No ano seguinte, pintou “Rosa e Azul”, o célebre “quadro das duas meninas” que hoje está no Museu de Arte de São Paulo (Masp).

Em 1892, obteve reconhecimento oficial para a pintura impressionista: um quadro seu foi adquirido pelo governo francês.

Num acidente de bicicleta, em 1897, quebrou o braço. Dois anos depois, foi acometido de reumatismo, passando a ter problemas de mobilidade.

Em 1904, quando já era admirado em toda a Europa, organizou-se uma grande retrospectiva de sua obra. No ano seguinte, Renoir mudou-se para Cagnes, em busca de clima mais saudável.
Oito anos depois, as dificuldades de saúde o obrigaram a pintar sentado e amarrar os pincéis aos dedos.

Com a eclosão da Primeira Guerra Mundial (1914), teve dois de seus três filhos convocados (eles seriam feridos). Durante a guerra, também perdeu a esposa, Aline.

Em 1919, Renoir finalmente viu suas obras serem aceitas no Louvre. Em dezembro daquele ano, morreu em sua casa de Cagnes, aos 78 anos.

Principais obras

 

• 1. Retrato de Romaine Lacaux (1864): Nascido em Limoges, Renoir muda-se para Paris com sua família em 1844. Desde cedo, demonstra aptidão para a pintura. Em 1854, trabalha como aprendiz decorador em uma manufatura de porcelanas. Pinta também interiores de cafés, geralmente com cenas mitológicas. Neste mesmo ano, entra para a Escola de Desenho e Arte Decorativa. A partir de 1861, passa a frequentar o ateliê do pintor suíço Charles Gleyre, além de visitar o Louvre como copista. No ano seguinte matricula-se na Escola de Belas Artes. “Retrato de Romaine Lacaux“, pintado em 1864, é uma encomenda de um modesto ceramista, que deseja um retrato de sua filha. As encomendas feitas a Renoir, nesta época, eram bastante raras. No quadro, observa-se formas simplificadas no vestido e uma grande delicadeza nos tons, além de uma marca constante nos retratos de Renoir: a luminosidade dos olhos.

Retrato de Romaine Lacaux, 1864

• 2. A Hospedagem de Mère Anthony (1866): Em 1865, um grupo de alunos do ateliê de Gleyre, composto de Renoir, Monet, Bazille, Sisley, Pissarro e Guillemet, viaja para Marlotte, onde fica hospedado em uma estalagem, imortalizada por Renoir nesta pintura. No quadro, três pintores (Sisley, Jesles Le Coeur e, provavelmente, Monet) comentam o jornal de vanguarda Evénement, onde Émile Zola critica o júri do Salão de Paris. Este grupo realiza, durante algum tempo, longas sessões de pintura ao ar livre nos bosques de Fontainebleau. Para trabalhos em estúdio, usufruem de um espaço alugado por Bazille, o único do grupo que conta com uma boa renda mensal paterna e que auxilia os amigos. Os jovens artistas passam o ano estudando e tentando obter encomendas, enquanto aguardam a época do Salão.

A Hospedagem de Mère Anthony, 1866

• 3. Em Grenouillère (1869): em 1869, Renoir e Monet dedicam-se a um mesmo tema, o balneário de Grenouillère. Pintam lado a lado, ao ar livre, estudando os efeitos móveis e mutáveis da luz sobre a água. Antecipam técnicas utilizadas posteriormente pelos impressionistas, como a tache, pincelada dividida e destacada das outras, que se tornaria um marco do movimento. As duas obras, de Monet e Renoir, podem ser vistas e comparadas aqui.

A Grenouillère,1869

• 4. Banhista com Cão Grifon (1870): paralelas às pinturas e experimentações realizadas ao ar livre, Renoir continua produzindo obras mais tradicionais, destinadas ao Salão oficial. “Banhista com Cão Grifon” é aceita no Salão de 1870, juntamente com a obra “Mulher de Argel”. Embora seu estilo não seja rigorasamente tradicional, traz elementos já parcialmente assimilados pelo júri, como a bidimensionalidade vista em obras de Édouard Manet. A obra recebe duras críticas, especialmente em relação ao desenho.

Banhista com Cão Grifon, 1870

• 5. Cavaleiros no Bois de Boulogne (1873): Em 1870, eclode a Guerra Franco-Prussiana e Renoir é convocado. De volta a capital francesa, em 1871, Renoir encontra-se em meio aos conflitos da Comuna de Paris. Neste período turbulento, realiza alguns retratos, como “Cavaleiros no Bois de Boulogne”, recusado pelo Salão, mas exposto no Salão dos Recusados. A obra alcança um discreto sucesso de público, o que incentiva Renoir e seus amigos a organizarem uma mostra independente.

Cavaleiros no Bois de Boulogne, 1873

• 6. A Parisiense (1874): em 1874, Renoir e outos pintores modernos organizam a primeira mostra impressionista. As obras do grupo são influenciadas pelo trabalho de Édouard Manet, e trazem novidades em relação às formas e uso da cor. Renoir expõe seis quadros, dentre eles, “A Parisiense”, o retrato de uma mulher moderna, que em nada lembra os cânones tradicionais de beleza.

A Parisiense, 1874

• 7. Baile no Moinho da Galette (1876): Em 1875, Renoir conhece Georges “Zizi” Charpentier, que adquire alguns quadros do artista em um leilão. Charpentier apresenta Renoir para várias famílias ricas de Paris, que lhe encomendam pinturas, trazendo uma bem vinda estabilidade financeira na vida do pintor. A partir deste momento, Renoir divide sua carreira em pinturas mais tradicionais, para a burguesia parisiense, e experimentos ao ar livre, para as mostras impressionistas. “Baile no Moinho da Galette” é uma obra audaciosa, com muitos personagens, pintada quase que inteiramente ao ar livre – esboços e estudos preparatórios são realizados em seu ateliê. Renoir busca um retrato da vida moderna e festiva de Paris. No ano de 1900, Pablo Picasso realizou uma pintura com o mesmo tema. As obras de ambos os artistas podem ser vistas aqui.

Baile no Moinho da Galette, 1876

• 8. Os Guardas Chuvas (1881-1885): Em 1879, Renoir realiza sua primeira exposição individual, na sede da revista La Vie Miderne. Aos poucos, afasta-se dos pintores impressionistas e passa a valorizar o desenho. A partir de 1881, inaugura-se o chamado “período áspero” em seu trabalho – outros autores se referem a estes anos como “período azedo”ou “Ingresco”. Seu contorno fica mais nítido, e as cores, mais opacas. Apesar de ser conhecido como um pintor impressionista, Renoir dedicou ao movimento somente uma parte de sua vida. Já ao final da década de 1870, considera a experiência impressionista parcialmente esgotada, e percorre livremente outros estilos, inclusive a solenidade da pintura neoclássica.

Os Guardas Chuvas, 1881-1885

• 9. Meninas ao Piano (1892): A partir da década de 1890, inicia-se o “período nacarado” na obra de Renoir. Os tons ficam menos severos do que no “período áspero”, e a temática gira em torno de retratos e nus femininos. “Meninas ao Piano” é a primeira e única encomenda pública de Renoir, destinada ao “Museu dos Artistas Vivos de Luxemburgo”. Foram realizadas seis versões desta obra. Neste mesmo ano, realiza-se uma antologia retrospectiva da carreira de Renoir, na galeria Ruel, em Pigalle. Cento e dez obras são expostas e a mostra é um sucesso. Com o nome já consagrado, Renoir participaria de diversas outras exposições, em galerias de todo o mundo.

Meninas ao Piano, 1892

• 10. Banhistas (1918-1919): Renoir enfrenta diversos problemas de saúde. Em 1888, sofre uma paralisia facial. A partir da década de 1890, passa a sofrer com uma grave artrose reumática, que lhe causa dores intensas. Continua pintando, mas cada vez com maiores dificuldades de movimento. Em seus últimos anos de vida, já em uma cadeira de rodas, precisa amarrar o pincel na mão, para poder realizar sua arte. Passa a dedicar-se também a escultura, que é produzida por ajudantes, segundo suas orientações. Morre em 1919, de pneumonia, em sua casa.

Banhistas, 1918-1919

Mais informações sobre Auguste Renoir:
Retratos e autorretratos de Renoir


Roy Lichtenstein – POP ART

 Roy Lichtenstein Pop Art

Roy Lichtenstein nasceu em 27 de outubro de 1923 na cidade de Nova Iorque, numa família de classe média, seu pai trabalhava como corretor de imóveis. Freqüenta uma escola secundária privada em Nova Iorque, onde a arte não fazia parte da grade educacional.

Começa a pintar em casa e desenha por livre vontade. Em sua adolescência desperta o interesse pelo jazz e assiste a concertos no Apollo Theater, no Harlem e em vários clubes de jazz na Rua 52, o que o leva a pintar retratos de músicos, muitas vezes tocando os seus instrumentos. Observa Pablo Picasso em busca de inspiração.

'M-maybe' (1963) - Roy Lichtenstein

‘M-maybe’ (1963)


No verão de 1939, freqüenta aulas de arte no Art Students League (Liga dos Estudantes de Arte), dirigido por Reginald Marsh, desenha a partir de modelos ou de cenas e vistas de Nova Iorque: Coney lsland, Carnaval, Lutas de Boxe…

Conclui os estudos na escola superior, em 1940, com o sério propósito de continuar a estudar para se tornar artista. Devido à ênfase regional colocada pela Art Students League, Lichtenstein não sente qualquer necessidade de permanecer em Nova Iorque e ingressa na School of Fine Arts (Escola de Belas-Artes), da Ohio State University (Universidade do Estado de Ohio) uma das poucas, instituições que dá cursos e licenciaturas em belas artes.

'Girl with ball'

‘Girl with ball’ (1961)


Na Ohio State é fortemente influenciado pelo Professor Hoyt L. Sherman: “Arte trata da percepção organizada. Com ele aprendi a ver com olhos de ver”. Seus Trabalhos são baseados em modelos e naturezas-mortas.

Em 1943 ingressa no Exército. Presta serviço a Inglaterra, França, Bélgica e Alemanha. Desenha a natureza utilizando aquarela, lápis e carvão. Após o fim da guerra muda-se da Alemanha para a França. Faz breves estudos da língua e civilização francesa na Cité Universitaire.

Volta a Ohio State University para continuar os estudos de arte dirigidos por G. I. Bill e licencia-se em Junho de 1946. Freqüenta o programa de graduação e é contratado como instrutor. Seus quadros são essencialmente abstrações geométricas seguindo-se depois pinturas semi-abstratas de inspiração cubista.

Em 1949 conclui a graduação na Ohio State University, onde permanece como instrutor até 1951. Em 1949, casa com Isabel Wilson, mas divorcia-se em 1965. Participa em várias exposições coletivas na Chinese Gallery, em Nova Iorque. Faz a primeira exposição individual na Carlebach Gallery, em Nova Iorque. Em seus trabalhos, faz referências a Frederic Remington e Charles W. Peale num estilo cubista. Sua obra torna-se gradualmente mais solta, mais expressionista.

 


Fazmontagens de objetos fundidos e gravados em madeira, representando cavalos, cavaleiros com armaduras e índios. Os mesmos temas são utilizados na pintura que flutua entre o expressionismo e o cubismo.

Muda-se para Cleveland em 1951, onde trabalha como gráfico, projetista, decorador de montras (vitrines) e desenhista em folha metálica. Faz três exposições individuais na John Heller Gallery, Nova Iorque. Nascem seus dois filhos, David Hoyt Lichtenstein e Mitchell Wilson Lichtenstein.

Lichtenstein concentra-se na pintura de temas americanos, empregando de forma exploratória o expressionismo e a abstração e pinta construções em madeira.
Em 1956, faz uma litografia humorística de uma nota de dez dólares, numa forma retilínea, uma espécie de nota falsa: proto-Pop.

Pinta num estilo expressionista abstrato não figurativo. Ocasionalmente faz desenhos de imagens de personagens já desenhados ( Mickey, Pato Donald e outras figuras Disney).

Faz uma exposição individual em 1958 na Condon Riley Gallery, Nova Iorque. Pinturas em expressionismo abstrato.

Forest Scene -1980

É nomeado professor assistente, em 1960, do Douglass College, Rutgers University, Nova Jersey. Muda-se para Highland Park, Nova Jersey. Conhece Robert Watts, Claes Oldenburg, Jim Dine, Robert Whitman, Lucas Samaras e George Segal. O ambiente e os acontecimentos artísticos voltam a despertar-lhe o interesse pelas imagens proto-Pop.

Em 1961, começa as primeiras pinturas Pop: imagens e técnicas inspiradas na aparência de impressão comercial. Lentamente passa a desenhar de lápis para a pintura a óleo diretamente sobre a tela. Começa a usar as imagens da publicidade que sugerem consumismo e trabalhos domésticos. No Outono do mesmo ano, coloca várias pinturas novas na Leo Castelli Gallery, em Nova Iorque. Algumas semanas mais tarde, vê na mesma galeria trabalhos de Andy Warhol usando também imagens da banda desenhada. (Castelli reconhece Lichtenstein como artista e rejeita Warhol.)

Em 1962, faz uma exposição individual na Leo Castelli Gallery. Tomou parte em “The New Paintings of Common Objects” (Novas Pinturas de Objetos Comuns), no Pasadena Art Museum, a primeira exposição num museu centrada na arte Pop. Esteve também presente em os “New Realists” (Novos Realistas) exposição que teve lugar na Sidney Janis Gallery, Nova Iorque.

No ano de 1962 seus trabalhos são inspirados nos de Picasso e de Piet Mondrian.


Em 1963 participa na “Six Painteirs and the Object” (Seis pintores e o objeto) no Solomou R. Guggenheim Mascam, Nova Iorque. Exposições individuais na Leo Castelli Gallery; na Ileana Sonnabend Gallery, Paris, na Ferus Gallery, Los Angeles e na II Punto Galeria, em Turim. É concedida a Lichtenstein, a licença de um ano na Universidade de Rutgers. Muda-se de Nova Jersey para Nova Iorque.

Demite-se da Universidade de Rutgers para se dedicar exclusivamente à pintura. Faz numerosas exposições, entre as quais uma retrospectiva (1961-67) na Pasadena Art Museum. A exposição retrospectiva viaja por Minneapolis, Amestrerdão, Londres, Berna e Hanover. Casa-se com Dorothy Herzka.

Faz pinturas e esculturas em cerâmica de cabeças de moças, inspiradas na banda desenhada da adolescência. Paisagens. Pinta monumentos ou clichés de arquitetura.

Em 1966 faz pinturas modernas usando imagens dos anos trinta. Em 1969, passa duas semanas nos estúdios da Universal Films, em Los Angeles, como artista-residente, para fazer um filme sobre o mar para a exposição “Art and Technology” (Arte e Tecnologia) no Los Angeles County Museum of Art. Trabalha em Nova Iorque com Joel Freedman da Cinnamon Productions, fazendo experiências com filmes.

Faz nova exposição retrospectiva dos trabalhos (1961-1969) no Solomon E. Guggenheim Museum, a qual viaja depois para Kansas City, Seattle, Columbus e Chicago.

Expõe a “New York Painting and Sculpture: 1945-l970” (Pintura e escultura de Nova Iorque: 1945-1970) no Metropolitan Museum of Art, Nova Iorque.

Em 1970, muda-se para Southampton, Long Island. Pinta quatro grandes murais com pinceladas para a Faculdade de Medicina da Universidade de Dusseldórfia. Foi eleito para a Academia Americana de Arte e Ciência. Dois dos seus filmes sobre o mar são exibidos na “Expo’70” de Osaka, Japão.

Numerosas exposições individuais em galerias (Espelhos, Entablamentos e Tromp l’oeil) e outras obras de arte (Surrealismo, Futurismo, Expressionismo, Estúdios do Artista). Em 1979 executa para a escultura pública do National Eudowment for the Arts: “Mermaid”, uma escultura de dez pés de altura feita em aço e betão para o Theater of the Perfoming Arts, Miami Beach, Florida.

No mesmo ano, é eleito membro da Academia Americana e Instituto das Artes e Letras.

Em 1981 faz outra exposição retrospectiva, desta vez das obras da década de 1970, organizada pelo Saint Louis Museum, que viaja pelos Estados Unidos, Europa e Japão.

 

Adquire em 1982 um atelier num sótão em Manhattan, além do estúdio em Southampton.

Pinta o Green Street Mural (Mural da Rua Verde) em 1983, na Leo Castelli Gallery, 142 Greene Street, Nova Iorque.

Expõe o Mural with Blue Brushstroke (Mural com Pincelada Azul) em 1986 no edifício da Equitable Life Assurance Society, em Nova Iorque.

Em 1987 exibe uma retrospectiva de desenhos no Museum of Modern Art, Nova Iorque. (Também exposta em Francoforte, em 1988.)

Participa em 1990 do “High and Low: Modern Art and Popular Culture”, no Museum of Modern Art, em Nova Iorque. “One-man show” nas galerias Ernst Beyeler, em Basileia, Daniel Templon, em Paris, e Hans Strelow, em Düsseldorf.

Em 1993 faz grande exposição de retrospectiva no Solomon R. Guggenheim Museum, em Nova Iorque, tendo sido depois exibida em Los Angeles, Montreal, Munique, Hamburgo, Bruxelas e Columbus, em Ohio (terminando em 1996).

Roy Lichtensten morre a 29 de Setembro de 1997, em Nova Iorque.

 Mais aqui : http://www.lichtensteinfoundation.org/

Informações retiradas do livro: ” Lichtenstein” de Janis Hendrickson.
(c) 2000 Benedikt Taschen Verlag Gmbh.

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Diego Rivera


Pintor, mas sobretudo um homem de fortes convicções. Diego Rivera é um nome incontornável na história da arte moderna universal e, sobretudo, da cultura mexicana. Os seus ideais comunistas e a forte ligação ao legado do seu povo levaram-no a ressuscitar o movimento muralista, contrariando uma forma de pintura mais burguesa, destinada a uma elite.

Diego Rivera
Diego Rivera, 1933 © Esther Born

Diego Rivera (1886-1957) foi um homem de paixões: sobejamente conhecido pela sua fama de mulherengo, nutria um grande afecto pelas suas raízes e expressava os seus ideais comunistas sem medos. A sua arte era a sua forma de comunicar com o povo. Não uma elite de intelectuais, mas todos os que no início do século XX tentavam sobreviver à guerra civil mexicana, que terá sido responsável pela morte de centenas de milhar de pessoas.

O seu talento precoce para as artes valeu-lhe uma bolsa de estudo que o levou ao epicentro da revolução cultural operada pelas vanguardas modernistas: a Europa. Ao percorrer países como Espanha, França, Bélgica, Holanda e Inglaterra, o artista integrou-se no círculo social próximo de personalidades como Amedeo Modigliani e experienciou de perto a obra de Henri Rousseau – “o único dos modernistas cujo trabalho mexe com cada fibra do meu ser”, terá afirmado Rivera.

Em Paris, sobretudo, o pintor envolveu-se no movimento cubista, protagonizado por artistas como Paul Cézanne e Pablo Picasso, que terá expressado a sua admiração pelas pinturas de Diego Rivera quando ambos se conheceram em 1914, no seguimento da sua exposição na Societé des Artistes Indépendants. O sucesso começava, assim, a despontar na carreira de Rivera, também influenciado pela estética do fauvismo, cujo uso acentuado de cores vibrantes apelou muito naturalmente à sensibilidade do pintor de raízes mexicanas. Nesta altura, predominam nas suas obras retratos e representações de naturezas mortas.

Diego Rivera
Natureza morta, 1918

A partir de 1920, Diego Rivera viria a desenvolver a sua verdadeira identidade como pintor. Numa viagem por Itália, estudou com atenção a arte dos frescos renascentistas, motivando o seu posterior envolvimento no primeiro mural que haveria de assinar, já no México, em 1922. Juntamente com José Orozco e David Siqueiros deu início ao movimento muralista, que levou à produção de inúmeros murais de cariz interventivo, ao representar cenas sociais e políticas e de afinidade marxista.

Diego Rivera
“El Campesino Oprimido”, 1935

Diego Rivera deixaria também a sua marca indelével nos Estados Unidos, onde pintou aquela que o próprio pintor considerava ser uma das suas obras mais bem sucedidas, intitulada “Detroit Industry”. Instalado no museu do Instituto das Artes de Detroit, o conjunto de murais representa uma fábrica automóvel, onde homens de todas as raças estão lado a lado na linha de produção, observados por Henry Ford.

Diego Rivera
“Detroit Industry”, 1933 © Ashley Street

Um dos seus murais mais emblemáticos, “Sueño de una tarde dominical en la Alameda Central” (1947), é uma peça de 65 metros quadrados que retrata, em síntese, a história da civilização mexicana, seguindo uma ordem cronológica. Vista da esquerda para a direita, a obra conta o episódio da conquista da então Nova Espanha, os massacres dos infiéis, a construção da Igreja de San Diego e a manifestação dos direitos da mulher – na figura da poetisa Juana Inés de la Cruz. Trata-se também de uma das mais polémicas obras do pintor, graças à inscrição da frase “Deus não existe”, situação que remeteu o mural para a censura em grande parte dos círculos sociais daquela época. Apenas em 1956 o mural voltaria a ser exibido livremente, já depois de Rivera ter substituído a controversa frase por uma outra inscrição.

Diego Rivera
“Sueño de una tarde dominical en la Alameda Central”, 1947

Diego Rivera
“Mercado de Tenochtitlan”, 1945

Mas falar de Diego Rivera é também falar de Frida Kahlo, sua mulher e outra das mais influentes artistas do século XX. Pertenciam ambos ao partido comunista mexicano, mas as suas obras, tal como eles mesmos, diferiam na sua dimensão física e emocional; Frida, uma mulher frágil e debilitada, pintava quadros mais intimistas, enquanto Rivera procurava representar grandes temas históricos como a construção da civilização mexicana e o resgate do seu legado. O casal tinha uma relação tumultuosa, mas apaixonada, e Rivera não continha a admiração pela obra da mulher. “Frida Kahlo é a maior pintora mexicana. O seu trabalho será multiplamente reproduzido e, graças à literatura, vai comunicar com o mundo. É um dos mais formidáveis legados artísticos e o mais intenso testemunho da verdade humana dos nossos dias”, declarou Rivera numa entrevista concedida em 1953, um ano antes da morte de Frida.

Diego Rivera
Diego Rivera e Frida Kahlo em San Angel, 1940 © Nickolas Muray.

Salvador Dalí e Gala

Salvador Felipe Jacinto Dalí nasceu no dia 11 de maio de 1904, em uma cidade do interior da Espanha chamada Figueras. Desde moço flertou com as artes plásticas, com a física, a matemática e a psicanálise. Apesar de ser considerado um gênio desde a infância nunca foi um bom aluno na escola, mas já desenvolvia sua genialidade nas telas.

O artista começou a pintar aos 10 anos de idade, e aos 13 entrou para na Escola Municipal de Desenho, onde aprendeu técnicas de pinturas e esculturas. Posteriormente, estudou na Escola de Belas-Artes de San Fernando, em Madri – onde conviveu com intelectuais, poetas e cineastas. Mas foi em 1928 que ele aderiu ao movimento que caracterizaria permanentemente sua obra, o surrealismo. No ano seguinte, conheceu sua primeira e única mulher, a russa Elena Dimitrievna Diakonova (que se autoapelidou Gala), vivendo com ela um romance de 53 anos.

Nos anos 40, Dalí rompe com o movimento surrealista por motivos políticos e vai para Nova York, onde, instigado pelos avanços nucleares, deixa seus conhecimentos científicos se fazerem visíveis na arte. Tornam-se recorrentes em sua obra objetos suspensos ou que se decompõem em partículas que flutuam no espaço, como na tela Cabeça Rafaelesca Estalando, 1951. Nela, ele reproduz o retrato de sua esposa e musa Gala.

“Todo pintor pinta a cosmogonia de si mesmo; Rafael pinta a cosmogonia do Renascimento e Dalí pinta a era atômica e a era freudiana”, afirmou Dalí nos anos 50. Além disso, percebemos que Gala foi uma musa insubstituível. Dez anos mais velha que Dalí, Gala o introduziu no meio artístico parisiense. Nos anos 30 e 40, a musa foi vista como uma mulher fria e autoritária, determinada, que sabia muito bem manter um relacionamento duradouro com um homem genial valendo-se de esperteza, sensualidade, e inteligência.

Em Leda Atômica, 1949, Dalí explicita seu interesse pela aplicação da matemática na arte, inspirado pelo livro A Geometria da Arte e da Vida, de Matila Ghyka. Assim como passa a envolver mística religiosa com matemática, influenciado pelas pesquisas do amigo matemático Ramon Llull, que tentava demonstrar a existência de Deus a partir da percepção matemática das figuras geométricas. Leda Atômica abre o período dos quadros religiosos de Dalí, outro deles, seguindo o estilo, é Crucifixion or Corpus Hypercubicus, 1954.

Salvador Dalí – Leda Atomica (1949)

O mito de Leda foi retratado por inúmeros artistas, entre eles Timóteo e Leonardo Da Vinci, mas a imagem marcante da Leda de Dalí, suspensa, apoiada em si mesma, se sobressai um pouco da tradição na arte clássica – ultrapassando o mito que Zeus teria se transformado em cisne para seduzir a esposa de Tíndaro. Dalí o transforma, pois o estado de levitação em que se encontra a mulher e o cisne no quadro, expressa força e sublimação.

Salvador Dalí e sua esposa, Gala (Foto: Divulgação)

A presença de Gala foi fundamental na sua vida e na sua obra. O amor, dependência, admiração, era tanto que ele passou a assinar seus quadros como Gala – Dalí. “Gala me deu, na verdadeira acepção da palavra, a estrutura que faltava na minha vida. Eu não era mais do que um saco cheio de buracos, mole e nebuloso, sempre em busca de uma muleta. Encontrei em Gala uma espinha dorsal, e fazer amor com ela, preencheu minha pele. Primeiro eu pensei que ela iria me devorar, mas, pelo contrário, tem me ensinado a conhecer o real.

Assinando meus quadros como Gala – Dali, eu não faço mais do que nomear uma verdade existencial, porque eu não existiria sem minha alma gêmea Gala”, afirmou Dalí.

Salvador Dalí levou ao mundo das artes sua personalidade excêntrica, apaixonado pela psicanálise freudiana, mitologia, física quântica e matemática, tornou-se um grande artista e também um grande promotor de si mesmo. Muitos o criticam, o chamam de narcisista. George Orwell, por exemplo, afirmou que Dalí foi um bom desenhista e um ser humano repulsivo, já Robert Descharnes, disse que depois de Gala, Dalí ficou mais observador que consumidor sexual. A verdade é que acima de tudo Dalí foi um onírico que amava as artes.

CONFIRA ALGUNS TRABALHOS DE SALVADOR DALÍ

Salvador Dalí - A Persistência da Memória, 1931
Salvador Dalí - Galarina, 1944-45
Salvador Dalí - Jovem virgem Auto-sodomizada por sua própria castidade, 1954
Salvador Dalí - Jovem virgem Auto-sodomizada por sua própria castidade, 1954

Salvador Dalí - Metamorfose de Narciso, 1937Salvador Dalí - O Enigma do Desejo, 1904-1989Salvador Dalí - Sonho Causado Pelo Vôo de Uma Abelha em Volta de Uma Romã, Um Segundo Antes do Despertar, 1904-1989Salvador Dalí - Venus with Cupids, 1925Salvador Dalí - Rosa Meditativa, 1958Salvador Dalí - O Grande Masturbador, 1904-1989

Texto de:

Belisa Parente

Na infância, escrevia sentimentos em diários e correspondências, na adolescência me vi poetisa, sonhei ser escritora e virei jornalista. Sou uma aprendiz. Trago em mim a sede de saber, de ter informações concisas sobre o mundo e os homens, de entender os mistérios do amor e da natureza.Internei-me no poético jardim polícromo das palavras e desde então permaneço, encontrando nelas a forma mais intrínseca de me expressar.